‘Obras de Peter Stämpfli. Nueva selección del fondo de la colección’

23 Marzo 2019
Fundació Stämpfli – Art Contemporani

El artista suizo Peter Stämpfli y su mujer catalana, Anna Maria, fijaron su residencia en Sitges en 1970 y se sumó a las de París y Berna. Desde el primer día, los Stämpfli participaron en la vida local y promovieron actividades artísticas y fiestas culturales. Rehabilitaron un viejo edificio en la calle d’en Bosc, que se convirtió en un Espacio Cultural y la sede del Grup d’Estudis Sitgetans. En 2004, el Ayuntamiento honró Pere Stämpfli nombrándolo Hijo Adoptivo de Sitges.

A principios del s. XXI, el matrimonio Stämpfli accedió a dar forma a una idea: dotar Sitges de una colección de arte contemporáneo abierta al público. Reunieron una colección elaborada exclusivamente con donaciones de artistas de prestigio internacional, amigos y compañeros de profesión. La amistad y la generosidad de muchos artistas de varias nacionalidades hicieron posible una colección sin igual en nuestro país y que constituye el fondo de la Fundación Stämpfli – Arte Contemporáneo.

La primera fase de los espacios expositivos se llevó a cabo en el edificio del antiguo Mercado del Pescado de la Plaza del Ayuntamiento, donde está la entrada a la Fundación. Reformado totalmente, el edificio fue inaugurado en 2011. Consta de las salas 1, 2 y 3, que muestran una selección del fondo y acogen exposiciones temporales de artistas que tienen obras en la Fundación. El proyecto se completó en marzo del año 2019 con la reforma de un edificio vecino conectado con el otro, al que se añadieron tres salas más, A, B y C, que de manera permanente, expone una muestra antológica de Peter Stämpfli.

 

LA COLECCIÓN. LAS SALAS 1, 2 Y 3

La colección está formada por obras de la segunda mitad del s. XX y principio del s. XXI. Consta de un centenar de piezas, además de una treintena en depósito; de sesenta y cinco artistas de veinte nacionalidades diferentes. El fondo crece cada año con nuevas donaciones. Una selección de este fondo, que varía cada temporada, se expone en las salas 1, 2 y 3.

El núcleo generador de esta colección está formado por artistas del grupo, no totalmente homogéneo, conocido como Figuración Narrativa. Surgió en 1964, de la exposición Mythologies quotidianes en el Museo de Arte Moderno de París. Sus integrantes compartían los objetivos de recuperar una nueva figuración que dejara atrás la abstracción lírica y expresionista de los años 50, en una época en que, entre la tensión de la Guerra Fría y el optimismo materialista del consumo masivo, se impuso una nueva cultura popular basada en lenguajes nuevos: la publicidad, la fotografía, el c El impacto de esta pintura los artistas del expresionismo abstracto y de la Escuela de Nueva York como Pollock, Kline o Rothko.ómic, el grafismo, el cine y la televisión.

De aquel grupo, la Fundación Stämpfli presenta artistas franceses, como Henri Cueco, Gérard Fromanger, Jacques Monory o Bernard Rancillac, el español Eduardo Arroyo, los italianos Gianni Bertini y Antonio Recalcati, el islandés Erró, los alemanes Peter Klasen y Jan Voss y el argentino Antonio Seguí entre otros.

Otro núcleo muy importante del fondo proviene de artistas que, en la misma década, optaron por una renovación de la abstracción geométrica y el arte cinético o se adentraron en el minimalismo, el arte conceptual y las neo-vanguardias.

 

PETER STÄMPFLI

La trayectoria artística de Peter Stämpfli se muestra en las salas A, B y C. Nacido el 1937 en Deisswil (Suiza), realizó estudios de pintura en Bienne y en Berna. En 1958, la exposición Nueva Pintura Americana en Basilea presentó por primera vez en Europa, los artistas del expresionismo abstracto y de la Escuela de Nueva York como Pollock, Kline o Rothko. El impacto de esta pintura le decidió a instalarse en París en 1959, donde la escena artística todavía estaba dominada por la abstracción cuando los lenguajes de la cultura popular ya definían el ambiente de la vida diaria en las grandes ciudades occidentales. Era la época de la aparición del pop-art y los nuevos realismos en los escenarios del arte contemporáneo a partir de los años 60 y 70 del s. XX.

Desde 1960, Stämpfli inició un camino personal que partió de los objetos de uso cotidiano hasta llegar al neumático de automóvil y el dibujo geométrico de su superficie. Esta evolución desembocó en una concepción personal de la abstracción geométrica.

Stämpfli tiene un sólido prestigio, confirmado en innumerables exposiciones y en la presencia en importantes museos del mundo, tanto europeos como americanos y asiáticos. Se le han dedicado exposiciones retrospectivas en el Centro Pompidou, en el Jeu de Paume y en el Grand Palais, además de haber expuesto frecuentemente en la FIAC. Ha representado a Suiza en las Bienales de Venecia y de Sao Paolo. Desde 1959 hasta hoy ha protagonizado más de sesenta exposiciones individuales y ha participado en casi quinientas exposiciones colectivas en todos los continentes.

 

SALA A

1963-1970

LOS AÑOS 60: POP-ART y FIGURACIÓN. EL OBJETO Y EL GESTO COTIDIANO

Durante la década de los años 60, en una sociedad definida por el consumo masivo, Peter Stämpfli puso el foco en los objetos y los gestos de la vida cotidiana utilizando los grandes formatos y el lenguaje de la publicidad.

Las imágenes se alejaron radicalmente de las emociones íntimas y del lirismo de la abstracción de la época. La mano del artista, la pincelada y la textura acontecieron imperceptibles. El fondo monocromo, predominantemente blanco, aisló e inmovilizó la fuerza cromática de unas imágenes inspiradas en la fotografía.

El propio Stämpfli explicaba la intención: “elaborar un diccionario de objetos y gestos cotidianos”; abstraerlos de la banalidad de la vida diaria trasladándolos al taller del artista y representándolos con la técnica de la gran tradición: la pintura al óleo.

Era un trabajo indiferente a los debates sobre la modernidad en la segunda mitad del s. XX que enfrentaban binomios excluyentes: alta cultura contra cultura popular, las bellas artes confrontadas a la temática de la vida cotidiana y la abstracción opuesta a la representación.

Wildcat nº2 (1970) y su precedente, Wildcat nº1 (1967), señalan el momento en que Stämpfli puso punto final a su primera época.

 

SALA B

1970-1990

DE LA RUEDA AL NEUMÁTICO. EL RELIEVE Y LA HUELLA

La mirada, primero dirigida al automóvil, se centró en la rueda y más tarde en el neumático y su relieve. En las dos décadas siguientes, el trabajo de Stämpfli queda definido por los grandes formatos, por la austeridad del negro y el gris y por la monumentalidad de algunas obras.

Constituyen un ejemplo las dos grandes obras Polyester Cord (1970) y Cavallino (1972), montados sobre bastimentos con la forma de la imagen. En la sala anterior, Rouge Baiser, había sido un precedente de esta técnica de montaje que, a medio camino de la pintura mural y la de caballete, avanza ligeramente las obras hacia el espacio del espectador.

Pronto las referencias explícitas al neumático o a cualquier indicio de figuración desaparecen. En la sala se exponen algunos ejemplos de obras en las que unos signos elementales, unidades simples casi unicelulares, se ordenan en estructuras que siguen el ritmo y la lógica de la repetición. Son ya imHASTA HOYle del Marne y una obra de ocho metros de altura encargada en 1990 por el Museo de las Comunicaciones de Berna.ne y eluágenes abstractas directamente emparentadas con el minimalismo y el constructivismo.

En aquellos años, Stämpfli se expande en diversas direcciones: hacia la escultura, el dibujo carbón y en la mina de plomo sobre papel, el cine y los relieves monumentales en espacios públicos. Dos pequeñas maquetas murales lo muestran: una huella de neumático de treinta metros de largo elaborada en el departamento francés del valle del Marne y una obra de ocho metros de altura encargada en 1990 por el Museo de las Comunicaciones de Berna.

  

SALA C

DE 1990 HASTA HOY

COLOR y ABSTRACCIÓN

A partir de 1990, la temática derivada del neumático cambia radicalmente. La rigurosa geometría de las formas es definida por campos de color vibrante: rojos, naranjas, amarillos, negros, azules. 

La viveza cromática parece el resultado inevitable de la lógica y meditada evolución del artista, que pone a su servicio todas las técnicas, desde la pintura al óleot se ha borrado defintivamente.La referencia en el mundo de la represetnaciiva de fragmentos o detalles del nemde Berna.ne y eluóleo y acrílica a la acuarela y el pastel.

El ritmo de líneas, formas y colores invitan a olvidar que la estructura interna de cada obra deriva de fragmentos o detalles del neumático, agrandados y estilizados. La referencia al mundo de la representación se ha borrado definitivamente.

 

Las obras expuestas

Sala 1

Eduardo Arroyo

Saint Bernard Tonnelet

1965

95 x 79 cm / 37,4 x 31,1 in.

Oli sobre tela

 

Gianni Bertini

Ruines de Thèbes

2004-2005

190 x 120 cm / 74,8 x 47,2 in.

Mec-art

 

Henri Cueco

Chiens courants

1993

140 x 162 cm / 55,1 x 63,7 in.

Acrílic sobre tela

 

Erró Gudmundur

Coup de vent

2000

151 x 99 cm / 59,4 x 38,9 in.

Oli sobre tela

 

Gérard Fromanger

Sens dessus dessous, tête à tête, rouge, jaune, bleu

2008

200 x 150 cm / 78,7 x 59,0 in.

Acrílic sobre tela

 

Peter Klasen

The Beauty and the Dummy

2008

97 x 146 cm / 38,1 x 57,4 in.

Acrílic sobre tela i neó

 

Jacques Monory

Ang. N° 5, ref. 991

1997

250 x 390 cm / 98,4 x 153,5 in.

Oli sobre tela i contraxapat

 

Bernard Rancillac

La Roue de la connaissance

1985

195 x 130 cm / 76,7 x 51,1 in.

Acrílic, contraxapat, roda de bicicleta i objectes

 

Antonio Recalcati

Figure d'homme

2008

100 x 91 cm / 39,3 x 35,8 in.

Oli sobre tela

 

Antonio Seguí

Las rubias en el sol

2006

110 x 220 cm / 43,3 x 86,6 in.

Acrílic sobre tela

 

Peter Stämpfli

Town & Country n° 2

1972

351 x 215 cm / 138,1 x 84,6 in.

Oli sobre tela sobre bastidor tallat

 

Sala 2

Pierre Buraglio

D'après… Auguste Radier (Le Grand Pin parasol)

2003

184 x 177,5 cm / 72,4 x 69,8 in.

Oli sobre contraxapat

 

Daniel Dezeuze

Charnières du temps

1997

170 x 102 cm / 66,9 x 40,1 in.

Pintura gliceroftàlica sobre fusta

 

Peter Knapp

Porte de Sansa

1987

220 x 132 cm / 86,6 x 51,9 in.

Foto cibachrome

 

Piotr Kowalski

New York

1997

108 x 148 cm / 42,5 x 58,2 in.

Fotografia sobre tela endurida

 

Jean Le Gac

Fragment 13

1990

116 x 163 cm / 45,6 x 64,1 in.

Tècnica mixta sobre tela, foto i 11 manuscrits

 

Jean-Luc Parant

Bibliothèques idéales

2008

67 x 125 x 20 cm / 26,3 x 49,2 x 7,8 in.

Cera sobre fusta i paper muntat sobre fusta

 

Pavlos

Chaussettes

1969

153 x 112 x 5 cm / 60,2 x 44,0 x 1,9 in.

Paper de cartell i plexiglàs

 

Jean Pierre Raynaud

Sans titre

1966

23 x 65 x 45 cm / 9,0 x 25,5 x 17,7 in.

Muntatge: panolac, fusta, metall, test, ciment, residus, pintura

 

Jean-Michel Sanejouand

Ensemble

1988

195 x 130 cm / 76,7 x 51,1 in.

Acrílic sobre tela

 

Michel Tyszblat

Ebrar

1974

89 x 116 cm / 35,0 x 45,6 in.

Poliuretà sobre tela

 

Claude Viallat

Sans titre n° 301

2007

212 x 65 cm / 83,4 x 25,5 in.

Acrílic sobre cortina

 

Jan Voss

Verwandlung

2000

162 x 130 cm / 63,7 x 51,1 in.

Oli sobre tela

 

Joel-Peter Witkin

Visitation, Paris / New Mexico (diptique)

2004

27,1 x 27,5 cm / 10,6 x 10,8 in.

Impressió argèntica

 

Sala 3

Pol Bury

Volume figé MNC 218

1993

24 x 35 x 35 cm / 9,4 x 13,7 x 13,7 in.

Coure

 

Carlos Cruz-Diez

Jaune additif Denise "A"

2007

180 x 80 cm / 70,8 x 31,4 in.

Cromografia

 

Horacio Garcia-Rossi

Couleur lumière n°10

1987

100 x 100 cm / 39,3 x 39,3 in.

Acrílic sobre tela

 

Bernard Moninot

la, la, la

1994-2005

45 x 134,5 x 9,5 cm / 17,7 x 52,9 x 3,7 in.

Serigrafia sobre vidre i diapasó de cristall

 

Olivier Mosset

Hot Cake

1988-2007

210 x 200 cm / 82,6 x 78,7 in.

Acrílic sobre tela

 

Sato Satoru

Construction et conception

1992

200 x 145 cm / 78,7 x 57,0 in.

Acrílic sobre tela i fusta

 

Vassilakis Takis

Sans titre

2010

88 x 82 x 35 cm / 34,6 x 32,2 x 13,7 in.

Ferro

 

Luis Tomasello

Atmosphère chromoplastique N° 992

2011

62,5 x 62,5 x 10 cm / 24,6 x 24,6 x 3,9 in.

Acrílic sobre fusta

 

Niele Toroni

Empreinte de pinceau n° 50 à intervalles de 30 cm

1994

79,8 x 51,7 cm / 31,4 x 20,3 in.

Acrílic sobre foto

 

Michael Warren

Stele X

1995

193,5 x 31 x 25,5 cm / 76,1 x 12,2 x 10,0 in.

Fusta, ELM 

 

Peter Stämpfli

Sala A

Autoportrait au raglan

1963

160 x 117 cm / 62,9 x 46,0 in.

Oli sobre tela

 

Pot-au-feu

1963

135 x 155 cm / 53,1 x 61,0 in.

Oli sobre tela

 

Ma voiture

1963

126 x 170 cm / 49,6 x 66,9 in.

Oli sobre tela

 

Moka

1964

128 x 187 cm / 50,3 x 73,6 in.

Oli sobre tela

 

Le Quotidien

1964

120 x 190 cm / 47,2 x 74,8 in.

Oli sobre tela

 

Tomate

1964

134 x 138 cm / 52,7 x 54,3 in.

Oli sobre tela

 

Rouge baiser

1966-2002

93 x 242 cm / 36,6 x 95,2 in.

Oli sobre tela sobre panell tallat

 

Wildcat n° 2

1970

213 x 162 cm / 83,8 x 63,7 in.

Oli sobre tela

  

Sala B

Polyester Cord

1970

195 x 600 cm / 76,7 x 236,2 in.

Oli sobre tela sobre bastidor tallat

 

Cavallino

1972

295 x 535 cm / 116,1 x 210,6 in.

Oli sobre tela sobre bastidor tallat

 

Blizzard

1973

104 x 202 cm / 40,9 x 79,5 in.

Llapis sobre paper

 

195 VR 14

1975

253 x 280 cm / 99,6 x 110,2 in.

Oli sobre tela

 

M + S Contact

1977

119 x 96 cm / 46,8 x 37,7 in.

Llapis sobre paper

 

Empreinte de pneu S 155 (maquette)

1985

39,5 x 83 x 6,5 cm / 15,5 x 32,6 x 2,5 in.

Resina de polièster

 

Communication, maquette du relief mural pour le Musée des Communications, Berne

1990

40,5 x 32,5 x 8 cm / 15,9 x 12,7 x 3,1 in.

Resina de polièster

 

Fusain n° 2 Sans titre

1994

75,5 x 105 cm / 29,7 x 41,3 in.

Carbó sobre paper

 

Fusain n° 4 Sans titre

1994

75 x 105,5 cm / 29,5 x 41,5 in.

Carbó sobre paper

 

9 HDT 219

1997

83 x 140 x 10 cm / 32,6 x 55,1 x 3,9 in.

Resina de polièster (marró)

 

9 HDT 219

1997

83 x 140 x 10 cm / 32,6 x 55,1 x 3,9 in.

Resina de polièster (blanc)

 

Sans titre n° 10

2007

102 x 153,5 cm / 40,1 x 60,4 in.

Carbó sobre paper

 

Sans titre n° 12

2007

102 x 153,5 cm / 40,1 x 60,4 in.

Carbó sobre paper

 

Sala C

Sabro n° 2

1989-1991

249 x 456 cm / 98,0 x 179,5 in.

Oli sobre tela

 

Aquarelle n° 75 Sans titre

1991

102,5 x 153 cm / 40,3 x 60,2 in.

Aquarel·la sobre paper

 

Zentua

1995

160 x 194 cm / 62,9 x 76,3 in.

Oli sobre tela

 

Listor

1995

179 x 171 cm / 70,4 x 67,3 in.

Oli sobre tela

 

Irvan

1995

187 x 283 cm / 73,6 x 111,4 in.

Oli sobre tela

 

Pastel n° 31 Sans titre

1996

102,5 x 153 cm / 40,3 x 60,2 in.

Pastel sobre paper

 

Kristal 4

2000

245 x 245 cm / 96,4 x 96,4 in.

Pintura acrílica sobre tela

 

TS 760

2002

245 x 245 cm / 96,4 x 96,4 in.

Pintura acrílica sobre tela